Содержание
35 великих русских живописцев
Россия славится своими художниками. Они внесли огромный вклад в мировое искусство, а их картины бьют рекорды на мировых аукционах. Вспомним лучших из лучших. Вы сами можете повлиять на то, как распределятся места.
В Новгород Феофан Грек приехал уже состоявшимся иконописцем. Он родился в Византии и расписывал храмы Константинополя, Халкидона, генуэзской Галаты и Кафы.
Феофан расписывал церковь Преображения в Новгороде, где до сих пор сохранились его фрески, храмы московского Кремля. В Благовещенском соборе Феофан Грек создал первый в России иконостас, где святые были изображены в полный рост.
Обратите внимание
Кроме написания икон и росписи храмов, Феофан Грек также создавал миниатюры для книг и оформлял Евангелия.
Несмотря на то, что Андрей Рублев — самый известный русский иконописец, мы знаем о нем не так много. Имя Андрей он получил в монашестве, мирское его имя неизвестно.
Непревзойденным шедевром Рублева традиционно считается икона Святой Троицы, написанная в первой четверти XV века.
Рублев также был одним из мастеров, кто расписывал Успенский собор во Владимире, Успенский собор в Звенигороде и Благовещенский собор московского Кремля.
Имя Дионисия олицетворяет, пожалуй, лучшие и крупнейшие достижения московской иконописи XV-XVI веков. Продожатель традиции Андрея Рублева, Дионисий расписывал много храмов, но истинное понимание манеры письма Дионисия можно получить по великолепно сохранившимся фрескам Ферапонтова монастыря на Белоозере. Они никогда не переписывались и не подвергались серьезной реставрации.
Фаворит царя Алексея Михайловича, Симон Ушаков был первым русским иконописцем, подписывавшим свои иконы. С его творчеством связан период «обмирщения» иконописи («ушаковский период»). Ушаков был автором более 50 икон, а также учил своему искусству других. Его учеником был Гурий Никитин.
Никитин — это не фамилия, это отчество. Полное имя иконописца — Гурий Никитин (Никитович) Кинешемцев. Он расписывал Архангельский собор в Москве, писал иконы для московской церкви Григория Неокессарийского и руководил группой иконописцев, расписывавших ярославскую церковь Ильи Пророка и костромской Ипатьевский монастырь.
Восхищенные современники называли Брюллова «великим, божественныйм Карлом» и «вторым Рафаэлем». Белинский окрестил Брюллова «первым художником Европы».
Важно
Картина «Последний день Помпеи» была признана совершенным шедевром XIX века. Вальтер Скотт просидел целый час за её просмотром, после чего признал: «Это не картина, это целая поэма».
На полотне Брюллов изобразил и самого себя — слева от центра, с ящиком с красками и кистями.
Самая известная картина Александр Иванова — «Явление Христа народу». Над ней художник работал больше 20 лет. Это одна из самых загадочных картин в истории русской живописи. Интересно, что в зеркальной копии картины Мессия идет не навстречу к людям, а уходит (удаляется) или проходит мимо.
Иванов также делал акварельные эскизы к росписям «Храма человечества». Эти рисунки стали известны только после смерти художника. В историю искусства этот цикл вошел под называнием «библейские эскизы». Они были изданы более 100 лет назад в Берлине и с тех пор больше не переиздавались.
Художник-передвижник Иван Крамской, автор картины «Христос в пустыне», создал одну из самых загадочных картин — «Неизвестную», которую также часто называют «Незнакомкой». С кем только её ни соотносили.
И с Анной Карениной, и с Настальей Филлиповной, и с дочерью художника Софьей, и с крестьянкой Матреной Саввишной, которая стала женой дворянина Бестужева, и с княжной Варварой Туркестанишвили – фрейлиной императрицы Марии Федоровны, фавориткой Александра І, которому она родила дочь, а после покончила с собой. Версий масса, но «Незнакомка» по-прежнему незнакомка.
Алексей Саврасов — великий русский пейзажист, художник-передвижник и учитель Левитана, Коровина и Нестерова, но его нередко называют «художником одной картины». Речь, конечно, о полотне «Грачи прилетели».
Исаак Левитан писал про своего учителя: «С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества».
Самого знаменитого русского пейзажиста Ивана Шишкина нызывали «лесным богатырем-художником», «царем леса», «стариком-лесовиком». Одной из культовых картин картин Шишкина стало полотно «Утро в сосновом бору».
Совет
Справедливости ради стоит сказать, что медведей на картине писал художник Савицкий, но Павел Третьяков стёр его подпись,поэтому автором картины часто указывается один Шишкин.
В советское время эту картину стали называть «Три медведя» (хотя на картине их четыре), из-за одноименной марки шоколада фабрики «Красный Октябрь».
Иван Айвазовский — непрезойденный маринист и один из самых дорогих художников. В 2012 году на британском аукционе Sotheby's его картина «Вид Константинополя и Босфора» была продана за 3 миллиона 230 тысяч фунтов стерлингов, что в переводе на рубли составляет более 153 миллионов.
Исаак Левитан – мастер «пейзажа настроения» и самых медитативных полотен в русском искусстве. Шедевр Левитана «Над вечным покоем» называют «самой русской картиной». Художник писал её под звуки траурного марша из «Героической симфонии» Бетховена. Один из друзей Левитана назвал эту картину «реквиемом самому себе».
Одни называли Куинджи «русским Моне» за виртуозное раскрытие возможности краски. Другие обвиняли художника в стремлении к дешевым эффектам, использовании тайных приемов, вроде скрытой подсветки полотен. В конце концов, на пике шума вокруг своего имени Архип Иванович просто ушел в добровольное изгнание на 30 лет.
За мастерское овладение приемами композиции друзья-художники в Петербурге называли потомственного казака Василия Сурикова «композитором», однако в академических кругах Сурикова долгое время критиковали как раз за скученность композиций, за «кашу» из лиц персонажей, презрительно называли его полотна «парчовыми коврами». История расставила все по местам — Суриков и сегодня считается непревзойденным мастером живописи, а его исторические полотна — одними из самых реалистичных.
Одного из самых трагических русских художников, Врубеля называли творцом искусства, близкого по природе ночным сновидениям. Про увлеченность хужожника образом Демона Александр Бенуа рассказывал: «Верится, что Князь Мира позировал ему…. Его безумие явилось логическим финалом его демонизма».
Врубель обладал удивительным психологическим свойством — эйдетизмом. Это особый вид зрительной образной памяти, когда человек не вспоминает, не представляет себе в уме предмет или образ, а видит его, как на фотографии или на экране.
Друзья называли Валентина Серова «Антошей» — таково было его домашнее прозвище. Знаменитым художник стал после выхода в свет своих шедевров — «Девочки с персиками» и «Девушки, освещенной солнцем». На первой картине была изображена дочь Саввы Мамонтова Вера, на второй — двоюродная сестра самого Серова Машенька Симонович.
Одни называли Константина Маковского предвестником русского импрессионизма, другие считали, что он предает идеалы передвижничества, но, несмотря на критические оценки, Маковский был одним из самых востребованных и высокооплачиваемых художников своего времени. На Всемирной выставке 1889 года в Париже он получил Большую золотую медаль за картины «Смерть Ивана Грозного», «Суд Париса» и «Демон и Тамара».
Обратите внимание
Леон Бакст — один из ярчайших представителей русского модерна, художник, сценограф, мастер станковой живописи и театральной графики. Европейский успех знаменитых «Русских сезонов» является заслугой Бакста в той же степени, как и заслугой Сергея Дягилева. Бакст был учителем Марка Шагала и законодателем парижской моды.
Виктор Васнецов — великий русский художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи. Его называли «истинным богатырем русской живописи». Для большинства Васнецов является создателем мира русских сказок и былин, но он также серьезно занимался архитектурой (фасад Третьяковской галереи) и создавал почтовые марки.
Александр Бенуа был убежден, что «настоящий Кустодиев – это русская ярмарка, «глазастые» ситцы, варварская «драка красок», русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями».
Нельзя не вспомнить о «кустодиевских женщинах» — типе русских красавиц, созданном Борисом Михайловичем. В 1912 году Кустодиев начинает работу над галереей непревзойденных женских образов.
В 1915 году свет увидел «Купчиху» и «Красавицу» — неповторимые образы русской красоты.
Илья Репин – гениальный портретист, мастер бытовых зарисовок и создатель скандальных исторических полотен. О работе ещё молодого Репина «Бурлаки на Волге» упоенно писали газетчики. Одни зрители ругали ее, другие – восторгались. Картина вызвала живейший интерес у Достоевского и Перова, а между тем некоторые называли ее «величайшей профанацией искусства».
Казимир Малевич – «отец супрематизма» и создатель «Черного квадрата», ставшего символом авангарда.
Несмотря на эксперименты почти во всех жанрах живописи, сам художник считал «Черный квадрат» своей главной картиной, поэтому во время похорон Малевича изображение квадрата было повсеместно – на гробу, в зале гражданской панихиды и даже на вагоне поезда, везшего тело художника в Москву. Так завещал сам художник.
Важно
Петров-Водкин «отметился» во множестве жанров — от иконописи до театральной графики и модерна. Один из шедевров художника — картина «Купание красного коня», написанная им в 1912 году.
Она с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает. Однако художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев.
В 1928 году в Венеции полотно «Смерть комиссара» Петрова-Водкина произвело неизгладимое впечатление на Бенедетто Муссолини, посетившего советский павильон.
Главный представитель русского импрессионизма, Константин Коровин во время Первой мировой войны работал консультантом по маскировке в штабе русской армии. В это же время, несмотря на суровую реальность, Коровину удается живописать картины о «прекрасной эпохе». Недаром Коровина называют живописцем радости и счастья.
Друг Хлебникова, Павел Филонов — один из самых самобытных и впечатляющих художников советского авангарда, основатель теории аналитического искусства. Он уподабливал картину живому организму и считал, что она должна развиваться и обновляться по мере ее создания.
Свои полотна, хотя на них и был спрос, Филонов никогда не продавал. Во время блокады Ленинграда он лично дежурил на обледенелом чердаке своего дома, охраняя свои картины от зажигательных бомб. Это его и погубило.
В первый год блокады он простудился на холоде и через несколько дней — 3 декабря 1941 года умер от пневмонии.
Лазарь Маркович Лисицкий — советский художник и архитектор. Известен своими супрематическими работами, проектами «бумажной» архитектуры. Лисицкий разрабатывал композиции, которые называл «проунами». Они представляли собой супрематические трехмерные фигуры. Впоследствии проуны стали основой для мебельного дизайна, проектов театральных макетов, декоративно-пространственных установок.
Михаил Нестеров — выдающийся русский живописец. Он «избегал изображать сильные страсти», отдавая предпочтение тихому пейзажу и человеку, «живущему внутренней жизнью».
Его первая картина из цикла о жизни Сергия Радонежского «Видение отроку Варфоломею», в которой станковая живопись включает в себя элементы иконописи, вызвала у критиков массу вопросов.
Золотое сияние вокруг головы схимника породило споры не только среди зрителей, увидевших картину на очередной выставке передвижников, но и среди коллег-художников, некоторые из которых назвали картину «вредной».
Совет
Неутомимый экспериментатор Аристарх Лентулов работал почти во всех жанрах и стилях. В духе экспрессионизма писал «Три мужские фигуры». В стиле Сезанна — «Пейзаж с деревьями и красной башней».
Был одним из организаторов новой творческой группы — «Бубновый валет». Лентулова называли одним из отцов русского авангарда, а критики шутили: для Лентулова любой предмет — готовый натюрморт.
Однажды, к примеру, он так вдохновился прогрессом, что посвятил картину… водопроводу.
Основоположник абстракционизма, основатель группы «Синий всадник» Василий Кандинский эмигрировал из России в 1921 году.
В Берлине он преподавал живопись стал видным теоретиком школы «Баухауз» и вскоре получил мировое признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1939 году Кандинский получил французское гражданство. С 2007 года в России ежегодно вручается Премия Кандинского.
Картина художника «Эскиз к импровизации № 8» была продана на аукционе Christie's за рекордную для русского искусства сумму — $23 миллиона.
По иронии судьбы, апологет Древней Руси и создатель исторических полотен Николай Рерих стал для России первооткрывателем Востока. Его гималайский цикл, созданный во время Центрально-Азиатской экспедиции, принес Рериху мировое признание и стал базой для его религиозно-философского учения «Живая этика».
Наталья Сергеевна Гончарова — правнучатая племянница жены Пушкина, русская художница-авангардистка, внесшая значительный вклад в развитие авангардного искусства в России. По состоянию на 2009 год её картины стоят дороже, чем работы любой другой художницы в истории.
Обратите внимание
Гонарова не раз сталкивалась с непониманием и жесткой цензурой, на которую она реагировала философски: «Если у меня и происходят столкновения с обществом, так только из-за непонимания последним основ искусства вообще, а не из-за моих индивидуальных особенностей, понимать которые никто не обязан».
Михаил Ларионов — один из основателей русского авангарда, спутник и муж Натальи Гончаровой. В 1912 году Ларионов создал новую художественную концепцию — лучизм, один из первых примеров абстрактного искусства в разряде так называемого «беспредметного творчества», где формы образовывались в результате пересечения лучей, отражённых от различных предметов.
Александр Дейнека — один из самых известных советских художников, создатель монументальных полотен с не менее монументальными героями — простыми советскими людьми, спортсменами, солдатами, моряками. В этом году картина Александра Дейнеки «За занавеской» была продана на лондонском аукционе MacDougall's за 2 миллиона 248 тысяч фунтов.
Илья Глазунов — основатель и ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества, Полный кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством».
Глазунов — не только художник и иллюстратор (иллюстрации к романам Достоевского, произведениям Блока), но и художник-глобалист.
Он создал интерьер советского посольства в Мадриде, участвовал в реставрации и реконструкции зданий Московского Кремля, в том числе Большого Кремлёвского Дворца.
Концептуалист Илья Кабаков, почетный член Российской академии художеств, — самый дорогой российский живописец. Его картина «Жук» была продана на лондонском аукционе Phillips de Pury за $5,8 миллионов. Кабаков долгое время был иллюстратором. С 1956 года сотрудничал с издательством «Детгиз» и такими журналами как «Мурзилка», «Малыш», «Веселые картинки».
Старые и исчезнувшие профессии на картинах: водовоз, денщик, бурлак, трубочист, шорник и другие
Рынок труда не стоит на месте. Одни профессии корректирует технический прогресс, другие уходят в небытие. Какие занятия были востребованы в прошлых столетиях? Офеня, водовоз, денщик… Рассматриваем картины русских живописцев.
Водовоз
Сергей Грибков. Водовоз. 1873
Если в русской деревне почти в каждом дворе был выкопан свой колодец, то в городе с водой было сложно. В центральных районах вода в реках и прудах чаще всего была непригодна для питья, поэтому чистую воду приходилось горожанам привозить. Доставкой занимался водовоз.
Чтобы им стать, нужно было иметь запряженную лошадьми телегу или двухколесную повозку и большую бочку. В Петербурге цвет бочки говорил о качестве находящейся в ней воды: воду из каналов перевозили в зеленых бочках, а питьевую — в белых. Часто водовоза сопровождала собака: она оповещала жителей о прибытии повозки громким лаем.
В крупных городах эта профессия сохранялась до начала XX века, пока не появился централизованный водопровод.
В 1873 году труд водовоза запечатлел на своей картине художник Сергей Грибков. В то время эта профессия считалась престижной и, что немаловажно, очень доходной: об этом можно судить и по добротной одежде работника. Водовозы часто пользовались тем, что выбора у горожан не было, и брали с них втридорога.
Денщик
Павел Федотов. Офицер и денщик. 1850–1851
Денщиками называли солдат русской армии, состоявших на постоянной службе при офицере на должности прислуги. По мнению историков, название образовано от французского de jour, что значит «дневальный, дежурный».
Денщик передавал подчиненным приказы офицера, чистил его форму и сапоги, а при необходимости исполнял обязанности телохранителя. При Петре I на этом посту служили не только простолюдины, но и выходцы из знатного рода. Последние, как правило, выполняли дипломатические и тайные поручения царя.
Важно
Эта «профессия» была упразднена в 1881 году, однако неофициально денщики существовали и во время Великой Отечественной войны. Их обязанности исполняли водители.
На полотне Павла Федотова изображен обыденный вечер офицера. Предположительно, на картине художник написал самого себя. Прототипом слуги, раскуривающего трубку, стал реальный денщик Коршунов, друг и помощник автора.
Бурлак
Василий Верещагин. Бурлак с шапкою в руке. 1866
Бурлаками называли наемных рабочих, которые, идя по берегу, тянули судно против течения. «Эх, дубинушка, ухнем», — затягивал бригадир артели — шишка, и бурлаки приступали к своей тяжелой и монотонной работе.
Для облегчения труда идти нужно было синхронно, равномерно покачиваясь. И благо если ветер был попутный. Нанимали рабочих, как правило, на сезон — весной и осенью. В СССР бурлацкую тягу запретили в 1929 году.
В некоторых странах, например в Бангладеш, можно до сих пор видеть, как бедняки тянут на себе баржи.
При упоминании бурлаков перед глазами сразу встают образы со знаменитой картины Репина, однако первым русским художником, изобразившим этот тяжелый труд, был Василий Верещагин.
Проживая в 1866 году в дядином имении в селе Любец, он наблюдал бурлаков на берегу реки Шексны. Делая этюды работяг, он планировал создать большое полотно, чтобы привлечь внимание к нечеловеческим условиям работы бурлаков.
Однако вскоре Верещагин отправился на службу в Туркестан и масштабную картину так и не закончил.
Офеня
Николай Кошелев. Офеня-коробейник. 1865
Первые упоминания об офенях встречаются в исторических источниках в 1700 году. На Руси так называли бродячих торговцев, которые продавали в деревнях различные мелочи, книги, лубочные картинки, бумагу, ткани.
Во многом успех предпринимателя зависел от его звонкого голоса. Отцы с детства обучали сыновей особому ремеслу: как зазывать покупателей и как суметь продать им товар с наценкой в 200–300 процентов.
Крестьяне относились к офеням настороженно, но при появлении заезжего торговца сразу же бежали к нему: если и не купить что-то, то узнать последние новости и сплетни. Офени сложили свое общество, придумали кодекс и даже изобрели собственный сленг — феню.
Совет
Пословица «Кто не работает — тот не ест» на их наречии звучала так: «Кчон не мастырит, тот не бряет». Владимир Даль говорил, что этот язык был придуман «для плутовских совещаний торгашей».
Николай Кошелев назвал свою картину, изображающую приезжего торговца, «Офеня-коробейник». Дело в том, что офенями окрестили преимущественно тех разносчиков, которые происходили из крестьян Суздальской и Владимирской губерний. В других местах их называли коробейниками. За эту работу автор был удостоен второй премии Общества поощрения художников.
Трубочист
Фирс Журавлев. Трубочист. 1870-е
Перепачканными сажей трубочистами часто пугали непослушных детей. Всегда молчаливые, они занимались какой-то «тайной» работой.
Результата их труда никто не видел: ведь не полезут же заказчики проверять, как вычищены печные, каминные или вентиляционные трубы! Да и не каждый бы пролез: на работу трубочистом обычно брали людей худощавых, субтильных. Родиной этой профессии считается Дания, а в Россию она пришла в 1721 году с появлением первого очага с дымоходом.
При полицейских участках тогда ввели должность чистильщика печей, которого позже стали называть на европейский лад — трубочист. В странах Северной Европы до сих пор можно встретить представителей этой профессии.
Фирс Журавлев изобразил испачканного сажей и копотью трубочиста в практичной черной одежде. Обут рабочий в тапочки, которые можно было легко снять, чтобы лезть по трубам. За эту картину художник в 1874 году был удостоен почетного звания академика Императорской академии художеств.
Фонарщик
Леонид Соломаткин. Утро у трактира. 1873
Профессия фонарщика в более упрощенном виде существовала еще в Древней Греции и Древнем Риме: уже тогда ночью улицы освещались с помощью масляных ламп и факелов.
В России в XIX веке на позицию фонарщика брали отставных военных, которые могли работать ночью и днем. За час они обходили не менее 50 фонарей: поправляли фитили и заливали конопляное масло. Не обходилось и без воровства.
Обратите внимание
Чтобы это пресечь, в масло стали добавлять скипидар, а позднее его и вовсе заменили керосином. С появлением электрических фонарей работа несколько облегчилась, хотя включали и выключали их по-прежнему вручную.
Лишь после 30-х годов XX века появился автоматический режим зажигания фонарей, и эта некогда престижная профессия канула в Лету. В некоторых городах и сейчас можно встретить фонарщика, хотя это скорее попытка сохранить традиции, нежели необходимость.
На картине Леонида Соломаткина «Утро у трактира» видно, как фонарщик, поднявшись по приставной лестнице, занимается своим делом — тушит свечу. У каждого работника был также длинный шест, с помощью которого он зажигал и дозаправлял фонари.
Шорник
Михаил Клодт. Шорник. 1860-е
Шорами называли наглазники, закрывающие лошади обзор по бокам. Отсюда же произошло слово «зашоренный» — так называют людей, неспособных принимать другие точки зрения. Элемент сбруи дал название целой профессии.
Однако мастер занимался изготовлением всей конской амуниции: седел, уздечек, стремян. Каждая упряжь должна была быть уникальной.
Первые шорники существовали еще в Древней Руси, а сейчас только редкие специалисты украшают породистых лошадей для скачек.
Картина Михаила Клодта показывает шорника за работой. Ремесло это было трудоемкое и требовало искусных навыков. Чего только стоило правильно выбрать кожу! А еще нужно было прошить ремни, поставить заклепки.
Делалось все вручную самыми простыми инструментами. Каждый ремесленник придерживался определенных правил. Например, гнуть дуги можно было только во время летнего сокодвижения, а сушить их исключительно в тени.
Бондарь
Сергей Скачков. Бондарь — изготовитель бочек на Руси. 2014. Изображение: артуспех.рф
Традиционно для засолки огурцов и выдержки вина используют деревянные бочки. В старину их изготовлением занимался бондарь. Получившая широкое распространение на Руси, эта профессия сошла на нет в XX веке.
Раньше количество профессионалов-бондарей достигало тысячи человек в каждой губернии, сейчас же их — единицы. Набивать бочки было делом крайне сложным. Достаточно вспомнить эпизод из книги о Робинзоне Крузо: на острове он пытался научиться мастерить бочонки.
Несколько недель корпел, сколачивал дощечки, а все равно ничего путного сделать так и не смог.
Важно
На картине Сергея Скачкова можно увидеть бондаря за работой. С помощью топора и подручных столярных инструментов он прилаживает деревянные или железные обручи к корпусу. Дощечки должны быть сбиты настолько плотно друг к другу, чтобы они не пропускали воду.
10 самых известных русских картин
Далеко не все регулярно навещают картинные галереи, но есть картины, которые известны буквально всем. Вот вам десятка самых знаменитых полотен русских художников
Далеко не все наши соотечественники регулярно навещают картинные галереи. Но есть картины, которые известны буквально всем. Вот вам десятка самых знаменитых полотен русских художников
1. «Утро в сосновом лесу»
Рассказывают, что в начале обучения в Императорской Академии художеств Ивана Шишкина спросили, что он хочет рисовать.
Ответ «Желаю быть пейзажистом» вызвал дружный смех: а что еще должен рисовать человек с такой фамилией? Друзья часто называли Ивана Ивановича «царем леса» и по заслугам: чащоб у него нет разве что на картинах «Рожь» или «На севере диком».
Полотно «Утро в сосновом лесу» подтверждает высокую царскую репутацию. Это, вероятно, самая известная картина пейзажиста, и уж наверняка самая растиражированная, поскольку украшает обертку конфеты «Мишка косолапый».
Писали картину в четыре руки: медведей на полотне, известном каждому сладкоежке, изобразил Константин Савицкий. Сегодня художников упрекают в недостатке реализма: тройни у медведиц крайне редки, да и Шишкин замечен в том, что подправлял лесную реальность топором и пилой.
2. «Неизвестная»
Кто-то впервые увидел ее в «Огоньке» или «Работнице», кто-то – в холле дешевой гостиницы, а у кого-то она вызывает детские воспоминания о красивой коробке конфет.
Критик Стасов называл героиню Крамского «кокоткой в коляске», критик Ковалевский – «исчадьем больших городов», а художник Репин вспоминал, что ее разглядывали не столько из эстетических чувств, сколько из обывательского любопытства. Специалисты утверждают, что она одета по последней моде: шляпка «Франциск», пальто покроя «Скобелев».
Совет
В ней узнавали и Настасью Филипповну, и Анну Каренину, но закрепилось «Незнакомка» – стихотворение Александра Блока повлияло. Нет, не так: Иван Николаевич Крамской назвал картину «Неизвестная» и нигде ни словом не упомянул о прототипе.
3. «Боярыня Морозова»
«Раз ворону на снегу увидал. Сидит ворона на снегу и крыло одно отставила, чёрным пятном сидит. Так вот я этого пятна много лет забыть не мог…», – вспоминал Суриков.
Когда бы мы знали из какого сора выросла известнейшая картина! Из этого пятна, да из рассказа на ночь тетки Ольги Матвеевны: она поведала малышу Васеньке о боярыне Феодосии Прокопьевне Морозовой, духовной дочери протопопа Аввакума, что пошла на гибель за свою веру.
Замысел зрел долго, так и вышла картина, чрезвычайно высоко оцененная критиком Стасовым: «Тут и трагедия, и комедия, и глубина истории, какой ни один наш живописец никогда не трогал. Ему равны только «Борис Годунов», «Хованщина» и «Князь Игорь».
А тем критикам, что соревновались в выискивании ошибок: и места-де для кучера мало, и рука, мол, чересчур длинна и вывернута так, как анатомически невозможно, ответил сам Суриков: «Суть-то исторической картины – угадывание. Если только сам дух времени соблюден – в деталях можно какие угодно ошибки делать…».
4. «Бурлаки на Волге»
«Нельзя не полюбить их, этих беззащитных, нельзя уйти, не полюбив их. Нельзя не подумать, что должен, действительно, должен народу». Достоевский написал это о картине Репина «Бурлаки на Волге». Илья Ефимович вырос в украинской глубинке и никогда не видел больших судоходных рек.
Но писать картину он поехал в Ширяев буерак под Самарой с уже сложившимся сюжетом. Своих «бурлаков» он углядел на Неве, когда учился в Академии художеств – изможденные люди так контрастировали с живописной природой и радостными дачниками, что студент немедленно схватился за краски.
Потом друзья выхлопотали ему 200 рублей для поездки на Волгу, там летом 1870 года Репин нашел своих героев и написал с них этюды. На Всемирной выставке 1873 года в Вене картина завоевала бронзовую медаль и была куплена за 3000 рублей великим князем Владимиром Александровичем.
Он повесил ее в бильярдной Владимирского дворца, вероятно, напоминанием о бессмысленной в век пара жестокости.
5. «Девочка с персиками»
У русского предпринимателя и мецената Саввы Ивановича Мамонтова, владельца усадьбы Абрамцево, было три сына и две дочери. Старшая, красавица Веруша, вдохновляла многих художников, гостивших в усадьбе ее отца.
Обратите внимание
Это с Веры Мамонтовой лепил «Голову Египтянки» Михаил Врубель, это ее черты легко узнать на «Портрете девушки с кленовой ветвью» Виктора Васнецова. Но самый известный портрет Верочки Мамонтовой создал Валентин Серов.
«Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное», – писал Валентин Александрович невесте, и, как видим, сдержал слово: трудно представить себе картину радостнее, чем «Девочка с персиками». Хотя модель много претерпела: сидеть не шевелясь для бойкой 12-летней девочки было сущим мучением.
Серов, вспоминал брат Веры, «впоследствии говорил сестре, что он ее неоплатный должник».Это чистая правда: картина так прославила Серова, что ему потоком хлынули заказы. И даже из царского семейства.
6. «Богатыри»
И эта картина родом из имения Саввы Мамонтова. Знаменитых «Богатырей» Васнецову навеяли мощные дубы в парке Абрамцевской усадьбы.
«…Бродил я, особенно по утрам, по парку, любовался кряжистыми великанами… А уже как дубы превратились в «Богатырей», объяснить не могу, должно быть, приснилось!» Публике, которая полюбила знаменитую картину, должно быть приснилось другое ее название: «Три богатыря».
И не поспоришь – богатырей на картине ровно три.
Запомнить кто есть кто легко: посреди на вороном коне Илья Муромец, в одной руке копье, в другой палица, похож на императора Александра III, слева на белом коне вынимает меч из ножен Добрыня Никитич, справа на коне рыжей масти Алеша Попович с луком и стрелами. Алешу Васнецов писал с младшего сына Саввы Мамонтова, а Добрыня, как уверяют, похож на всю семью Васнецовых разом: на деда, отца и на самого художника.
7. «Охотники на привале»
Достоевский восхищался: «Один горячо и зазнамо врет. Другой слушает и изо всех сил верит. А третий ничему не верит и тут же смеется. Что за прелесть!» Ну вы, конечно, поняли, что за прелесть – это картина Василия Григорьевича Перова «Охотники на привале».
Картина, написанная в 1871 году, куда оптимистичней трагических картин раннего периода, вроде «Тройки» или «Проводов покойника». Но и она не однозначно мажорна: охотники веселятся на фоне мрачного осеннего пейзажа. Нет единодушия и среди современников: восторги Достоевского не разделял Салтыков-Щедрин, который увидел в лицах наигранность.
Понятно, не актеры позировали: в виде охотников Перов изобразил своих московских знакомых: врачей Кувшинникова, Нагорнова и Бессонова.
8. «Грачи прилетели»
Искусствоведы отмечают, что среди важнейших работ Алексея Кондратьевича «Вид в Ораниенбауме» и «Лосиный остров в Сокольниках», «Жатва», «Вечер» и «Радуга». Напрасный труд: широкой публике известна ровно одна картина Саврасова. Это «Грачи прилетели».
Важно
Она имела огромный успех на первой выставке Товарищества передвижников в 1871 году, а идеолог и основатель «Товарищества передвижных выставок» Крамской, сравнивая полотно Саврасова с другими выставленными пейзажами, писал: «…всё это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в «Грачах»». Этюды к этому одушевленному пейзажу Алексей Саврасов писал в селе Молвитино, теперь Сусанино, Костромской губернии. Воскресенская церковь на заднем плане существует и нынче, в ней как
раз и расположен музей Ивана Сусанина, который родом из окрестностей Молвитина и подвиг свой совершил здесь же, неподалеку.
9. «Неравный брак»
Крестьянин по происхождению Василий Пукирев по счастливой случайности попал в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и показал себя талантливым студентом. Но ничего равного по силе полотну «Неравный брак» так и не написал. Очевидно, потому что картина была глубоко личной, и тому есть свидетели.
В книге «Москва и москвичи» Владимира Гиляровского читаем о русском живописце С.И. Грибкове: «Товарищ и друг В. В. Пукирева с юных дней, он знал историю картины «Неравный брак» и всю трагедию жизни автора: этот старый важный чиновник — живое лицо. Невеста рядом с ним – портрет невесты В. В.
Пукирева, а стоящий со скрещенными руками – это сам В. В. Пукирев, как живой». Картина сильно подействовала на современников: «Говорят, что «Неравный брак» Пукирева испортил много крови не одному старому генералу, а Н. И.
Костомаров, увидав картину, взял назад свое намерение жениться на молодой особе», – вспоминал Илья Репин.
10. «Явление Христа народу»
В начале, как и полагается, было слово. Мысль изобразить на полотне явление Христа народу возникла у Александра Иванова под влиянием Евангелия от Иоанна. Посланный за счет Общества поощрения художников для совершенствования мастерства в Рим живописец сперва попробовал силы.
Полотно «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине» имело успех, и новоиспеченный академик Иванов приступил к делу своей жизни. Масштабный замысел потребовал пространства и времени: картина семи с половиной метров в длину и почти пяти с половиной метров в высоту писалась ровно двадцать лет.
Ну так и вышел шедевр, потрясший публику. Славянофил А.С. Хомяков писал: «Видеть картину Иванова не только наслаждение, но гораздо большее: это событие жизни». А художник, словно бы исполнив предназначение, скончался вскоре после завершения картины.
Совет
О том, что царь купил картину за 15 тысяч рублей и пожаловал ему орден Святого Владимира, Иванов так и не узнал – радостная весть на пару часов опоздала.
Наши знаменитые художницы: великолепная семерка
Почему мы с лету не можем назвать фамилии отечественных художниц, в отличие от художников-мужчин? А ведь у каждой — не только список картин, но и список заслуг, еще и яркие судьбы.
Башкирцева, Серебрякова, Гончарова, Попова, Поленова, де Лемпицка, Терк-Делоне… Есть что запомнить, господа и дамы! Во всяком случае, мы обращаем ваше внимание на самые заметные моменты жизни и творчества дам, и конечно, на их картины, которые уверенно растут в цене и ставят отнюдь «неженские» рекорды на аукционах.Почти все арт-дивы, родившиеся на просторах Русской империи в прошлом веке, выбирали своим пристанищем Париж. Кто-то из них писал, чтобы заработать на пропитание, кто-то — чтобы не сойти с ума от тяжелой болезни, кто-то — от избытка творческой энергии. Так или иначе, они оставили в истории не только своим художественным наследием, но и перипетиями судеб.
Мария Башкирцева «Дождевой зонтик» (1883)
Мария Башкирцева (1858 — 1884) — первая художница из наших краев (родилась в Полтавской губернии, тогда — Российская империя, теперь — Украина), чьи картины, «Жан и Жак» и «Митинг», украсили стены Лувра. Однако большинство её работ не пережили Первой мировой войны. Помимо 150 картин, 200 рисунков и многочисленных акварелей, она оставила после себя и литературное наследие — «Дневник», который вела с 15 лет на французском. После смерти автора его перевели на все европейские языки, а вскоре издали в Америке. Примечательно, что мать вырвала из дневника все страницы, на которых упоминались феминистические воззрения дочери. Известно, что Мария Башкирцева активно выступала за права женщин. Её «плечистой» натуре казались тесными не только общественные устои того времени, но и академические каноны живописи. Она отдавала предпочтение работе на пленерах, писала выхваченные из повседневных уличных пейзажей лица парижанок.
Век художницы, к несчастью, оказался не долгим: она умерла от туберкулеза в 25лет. В последние годы жизни художница вела переписку с Ги де Мопассаном, который произнес на её могиле «Это была единственная Роза в моей жизни, чей путь я усыпал бы розами, зная, что он будет так ярок и так короток!» Цветаева посвятила Башкирцевой сборник ранней лирики «Вечерний альбом».
Мария Башкирцева
Зинаида Серебрякова (1884−1967) — русская художница-реалист и деятель искусства в третьем поколении: её дед и прадед посвятили себя архитектуре, отец занимался скульптурой и живописью, а в дядях числился известный художник и критик Александр Бенуа. С кистью и холстом Зинаида подружилась с детства. Чтобы писать крестьянские будни, с рассветом приходила в поле. Брак с двоюродным братом родня не одобрила, поэтому художнице с супругом пришлось эмигрировать, оставив детей в России. Увидеть сына Зинаиде Серебряковой посчастливилось только спустя 36 лет.
Это сегодня полотно художницы продаются за баснословные деньги. А при жизни в Париже она пыталась заработать на жизнь написанием портретов, но очень часто просто дарила их заказчикам. Из-за бедности Серебрякова даже была вынуждена самостоятельно изготавливать краски. Вернуться в Россию она так и не смогла: Вторая мировая война отрезала её от Родины.
Пожалуй, самая знаменитая картина Зинаиды Серебряковой, подарившая ей известность, художницы «За туалетом» (1909). Впервые общественность заговорила о таланте автора после презентации работы на VII выставке «Союза русских художников» (1910). Сегодня 25-летней художницы хранится в Третьяковской галерее. А картину «За завтраком» (1914), героями которой стали дети Серебряковой, называют одним из лучших детских портретов.
Зинаида Серебрякова «Автопортрет в шарфе» (1911)
Зинаида Серебрякова «За туалетом»
Наталия Гончарова (1881−1962) — амазонка авангардизма и правнучатая племянницы той самой Натальи Николаевны Гончаровой, супруги великого русского поэта. Премудрости живописи постигала под руководством выдающегося художника и педагога Константина Коровина, вместе с мужем — М. Ф. Ларионовым, одним из основателем русского авангарда, — организовала объединение «Ослиный хвост». А в 1915 году получила приглашение Сергея Дягилева для работы над Русскими сезонами — гастролями артистов оперы и балета, в Париже. Кстати, к слову о Пушкине: в свое время художница оформила и «Сказки о царе Салтане»!
Сегодняшней стоимостью своих полотен Наталья Гончарова перещеголяла всех художниц мира. В 2008-ом ценовой рекорд в «женском зачете» побила картина «Цветы», проданная на аукционе Christie’s более чем за $10 млн. Работа является одним из ключевых произведений русского авангарда, так как объединяет в себе элементы европейского импрессионизма и абсолютно новаторского направления, созданного Гончаровой и ее мужем — т.н. «лучизма». Мол, все предметы, которые мы видим — сумма лучей, преломленных от этих самых предметов. Экспериментировала художница и с примитивизмом, используя .
В 2010-ом на лондонских торгах картина «Испанка» установила очередной ценовой рекорд — её счастливый обладатель расстался с $ 1, 216 млн. Сегодня большинство работ Натальи Гончаровой находятся в Третьяковской галерее.
Наталья Гончарова «Автопортрет»
Наталья Гончарова «Испанка»
Соня Терк-Делоне (1885 — 1979) — живописец и дизайнер одежды, представительница Парижской школы и яркая фигура европейского авангарда, больше известная во Франции, нежели в России. Детство будущая знаменитость провела в Петербурге у дяди, который часто брал ее с собой в Европу, где Соня и пожелала получить образование. Толчком к творчеству стал брак девушки с известнейшим французским художником Робером Делоне, который стал ее вторым мужем. Результатом творческого тандема стал изобретенный парой вид кубизма — «орфизм», а также «симультанизм» — способ создания изображения круговыми цветными формами. Любовь к яркому цвету, согласно воспоминаниям Сони — память о родине, ведь она появилась на свет в тогдашней Полтавской губернии. Художница успела оставить след и в мире моды, создавая эти изменчивые произведения искусства. В 1964 году в Лувре открывают первую в истории музея персональную выставку женщины-художника, организованную при жизни автора! На стенах — ретроспектива работ мадам Делоне.
Цены на ранние абстрактные работы Делоне и полотна из серии «Цветовые ритмы» доходят до нескольких сотен тысяч долларов. Самая дорогая картина художницы — «Рынок в Миньо» (1915), написанная в испанский период. В 2002 г. она ушла на парижских торгах Calmels Cohen Paris за 4,59 млн евро.
Портрет Сони Терк-Делоне
Соня Терк-Делоне «Рынок в Миньо» (1915)
Тамара де Лемпицка (1898 — 1980) — одна из известнейших фигур направления ар-деко ХХ века. Художница с польскими корнями некоторое время жила в Санкт-Петербурге. Спасая мужа от тюрьмы, куда он угодил с началом революции, Тамара де Лемпицка бежит в Париж, где встречает своего учителя, Андре Лота (André Lhote). Стоит отметить: за мольберт художница встала не от хорошей жизни. Парижские будни отягощались безденежьем. Когда все фамильные драгоценности были проданы, а дочь снова нечем было кормить, и «не царица» Тамара вспомнила о своих способностях к рисованию. Андре Лот разработал и передал ей знания о синтетическом кубизме, объеденяющем академическую живопись и новые приемы Пикассо (Picasso) и Брака (Braque). С помощью такого упрощенного варианта кубизма Тамара де Лемпицка и смогла создавать «модне» полотна с намеком на классику — элегантные женские портреты и ню, которые охотно покупали парижские буржуа. Эта ниша позволила художницы вести весьма богемный образ жизни. Перед началом войны де Лемпицка переехала со вторым мужем, бароном, в США, где интерес к ее творчеству постепенно угас. В 60-х ар-деко вновь оказался на гребне волны, но уже как символ прошлой эпохи. Впрочем, довольно выросший в цене.
В 2011 г. на торгах Sotheby’s её картину «Сон (Рафаэла на зеленом фоне)» (1927) приобрели за $8, 48 млн, таким образом работа завоевала золото среди самых дорогих картин автора. Ранее в этом списке лидировали полотна « Марджори Ферри» ($4,9 млн) и «Портрет мадам М.» ($6,1 млн).
После этого рекорд успел обновиться уже несколько раз, что свидетельствует о спросе на старинный «гламур от де Лемпицки».
Тамара де Лемпицка «Автопортрет в зеленом бугатти»
Тамара де Лемпицка «Сон (Рафаэла на зеленом фоне)» (1927)
Елена Поленова (1850 — 1898) — художница, создававшая на полотнах сказочный мир, сестра известного русского живописца Василия Поленова. Родилась в Санкт-Петербурге, в семье ученого-историка. Интерес к мифическим сюжетам — родом из детства: маленькой Лиле, как называли её домашние, всегда читали русские народные сказки. Рисованию вместе с братом она обучалась у знаменитого художника и педагога, автора метода «широкого взгляда», Павла Чистякова. Так как женщинам в ту пору в Академию художеств путь был заказан, девушка обучалась у Ивана Крамского в Петербургской школе Общества поощрения художеств.
Елена Поленова отличалась специфической внешностью. Даже возлюбленный в переписке позволял себе в шутку за глаза назвать её «милым уродом». Личная жизнь так и не сложилась. В отличие от жизни творческой: несколько работ приобрел для коллекции сам Третьяков. Холсты со сказочными сюжетами, которые приходили во сне, создавались ею в имении мецената Мамонтова, Абрамцево. Здесь родился «Зверь» — чудище, похищающее душу из царства светлых грез.
Имя Елены Поленовой редко упоминаются в энциклопедиях по живописи, и её вклад в развитие русской графики и декоративного искусства остается недооцененным.
Елена Поленова
Елена Поленова «Зверь»
Любовь Попова (1889 — 1924) — русский авангардист, живописец и график, профессор ВХУТЕМАСа, которой посчастливилось работать плечом к плечу с отцами отечественного авангарда — Весниным, Татлиным и Малевичем. Сжившись с их опытом, пройдя от супрематизма к конструктивизму и промышленной живописи, художница создала свой неповторимый стиль, отличающийся от «мужского» авангарда большей декоративностью. Искусству Любовь Попова успела обучиться не только в Москве, но и в Италии и Франции. Что интересно, истинная дама в каждой своей ранней картине она проявляла «мужские интересы» к техническому прогрессу, делая акцент на устройстве предметов, будь-то часы или жестяная посуда. Насквозь пропитанная романтическими революционными идеями создания городов будущего с домами-коммунами, она с усердием взялась за плакатную живопись и текстильный дизайн. Не чуждым художнице был и театр: она стала автором декораций для спектаклей Мейерхольда.
Жизнь художницы на пике творчества внезапно оборвала скарлатина. Незадолго до этого она похоронила мужа и сына. Самым дорогим полотном авангардистки является « с подносом», проданный в 2007 г. на Sotheby`s за $ 2 844 270. Работа долгое время находилась в частной коллекции и была известна лишь по черно-белой репродукции.
Любовь Попова
Любовь Попова «Натюрморт с подносом»
Семь судеб — и какая прекрасная коллекция! Что вам запомнилось — сказки? Трагизм? Париж? Брат Поленов, дядя Бенуа, муж Делоне, предок — Пушкин? Что ж, все это — краски жизни и судеб. Их проявления — на прекрасных картинах русских по происхождению мастериц.
Знакомство с русскими художниками и немного ликбеза
Опубликовано пользователем сайта
КрасотаWhatever1Like 16 2 октября 2014, 19:19
Этот пост будет другого формата, потому как накопилось немного информации и о русских художниках, и о всяких интересных фактах) Или просто есть картины, которые хотела бы вам показать)) Поэтому я решила соединить в одном посте обо всём по чуть- чуть) После этого поста опять вернёмся к привычному формату как в посте о Прерафаэлитах и буду разбирать скрупулезно каждого художника) Большое спасибо за ваши комментарии!
Знакомимся с русскими художниками)
Андрей Ремнёв окончил Московскую школу художеств и престижную Суриковскую академию. Затем стажировался в Германии, работал во Франции, Швейцарии, на Кипре. В течение 8 лет изучал иконопись под руководством иконописца о. Вячеслава (Савиных) в Спасо-Андронниковском монастыре в г. Москве.
За годы обучения Ремнев стал признанным специалистом в средневеково иконописи. Но свою художественную технику Ремнев строит на сочетании приемов древнерусской иконописи, русской живописи 18 века, композиционных находок «Мира Искусства» и русского конструктивизма.
«В музее Спасо — Андроникова монастыря, в Москве, я копировал лучшие образцы Древнерусской живописи 15 — 17 веков. В тоже время я работал над своими картинами.
В этот период окончательно сложилась моя собственная техника живописи, которая строится на соединении приемов древнерусской иконописи, русской живописи 18 века, композиционных находок «Мира Искусства» и русского конструктивизма.
Подобно художникам прошлого, я использую натуральные пигменты, стертые на желтке».
Сегодня Андрей Ремнев преподает в Суриковском институте, на живописном факультете в мастерской Е. Максимова.
Заметно, что у Андрея Ремнёва сложное композиционное мышление, которое он развил благодаря изучению иконы )) Очень не обычно, вроде бы и декоративно, и не совсем, чувствуется пространство, и есть интересные приемы это пространство поддержать. Простота, которая достигнута сложным путем)
Андрей Ремнёв «Высокая вода» 2014, холст, масло
Андрей Ремнёв «Игра воображения» 2009
Андрей Ремнёв «Qunta Essentia» (2011)
Андрей Ремнёв «Третья стража»
Андрей Ремнёв. От эскиза к картине
Андрей Ремнёв «Дюны» триптих, смешанная техника
Андрей Ремнёв «Эхо»
Окончательный вид картины «Эхо»
Андрей Ремнёв «Шёлковый путь» (2013)
Андрей Ремнёв «Жмурки» (2005)
Андрей Ремнёв «Лотова жена» (2004)
Анрей Ремнёв «Пожар-девка» (2005)
Андрей Ремнёв «Попутная песня» (2004)
Также, хотела выделить некоторые картины разных русских художников, которые мне оченб нравятся) Надеюсь, что и вам что-то понравится, а для кого-то будет первое знакомство с этими полотнами)
Обратите внимание
Маковский Константин Егорович — русский живописец; сын извсетного в своё время московского любителя искусства, одного из основателей тамошнего училища живописи. Под отцовским влиянием 12 лет от роду поступил в ученики отцовского училища.
Позднее Константин писал: «Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя не академии, не профессорам, а исключительно моему отцу».
Многие из его исторических картин, демонстрируют идеализированный взгляд на жизнь в России в предыдущие столетия.
Константин Маковский Автопортрет
Маковский стал жертвой несчастного случая (в его экипаж врезался трамвай) и скончался в 1915 году в Санкт-Петербурге. «… в Петербурге умер Константин Маковский, блестящий «Костя» Маковский, так много шумевший в дни царствования императора Александра II. Этот государь, равнодушный к искусству, покупал его картины».
Константин Маковский «Русалки» (1879). Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Под словом «русалка» жители полесских сел понимали не только персонажей определенного класса демонов, но и конкретных умерших в селе людей.
Считалось, что русалками становились девушки, умершие до вступления в брак, особенно просватанные невесты, не дожившие до свадьбы, либо девушки и дети, умершие на Русальной неделе (в том числе и утонувшие в этот период), либо младенцы, умершие не окрещенными.
Олег Живетин — российско-американский художник, родился в Узбекистане в 1964году. С раннего детства начал писать пейзажи и рисовать акварелью.
Уехал в США Олег Живетин в 1990 году и заслуженно является одним из лучших художников живописи.
Живетин пишет сложные картины, в которых использует многочисленные слои краски с применением сусального золота, серебра или меди, что позволяет ему достигать такую яркость и богатство цветов!
«Черный квадрат» был нарисован задолго до Малевича. Случилось это в 1883 году – автором стал французский журналист, писатель, художник и вообще человек, известный своими эксцентричными выходками, – Алле Альфонс. Правда его «черный квадрат» назывался «Битва негров в пещере глубокой ночью». Картина была впервые выставлена на выставке «Отвязанного искусства» в Галерее Вивьен.
Выглядел этот шедевр следующим образом:
Важно
Август Леопольд Эгг — викторианской художник. Эгг также восхищался и произведениями прерафаэлитов, он купил работу молодого Уильяма Холмана Ханта и разрабатывал вместе с ним общие идеи о теории цвета.
Пребывая всё время в плохом состоянии здоровья, Эгг провел последние годы своей жизни в более теплом климате континентальной Европы, где он пишет картину «Путешествующие компаньонки», весьма неоднозначное изображения двух почти идентичных молодых женщин, которые иногда интерпретировались критиками, как попытка представить две стороны одного и того же человека.
Август еопольд Эгг «Путешествующие компаньонки» (1862)
Картины польского художника Ярека Пучеля (Jarek Puczel) лишены мелких деталей. Изображая, казалось бы, обыденные ситуации, художник умело создает тягучую напряженность, оставляя у зрителя непростое амбивалентное ощущение.
Ярек Пучель «Влюблённые»
Жюль Бастьен-Лепаж — французский художник, представитель натурализма в живописи как составной части реализма. Это был один из первых французских художников, изобразивших крестьянский быт в духе натурализма. Поклонником его таланта был Эмиль Золя. Он не успел во всей мере выразить свой талант, так как умер в возрасте 36 лет в своей мастерской в Париже.
Жюль Бастьен-Лепаж «Октябрь. Сбор картофеля» (1878)
Картина была представлена публике на Парижском салоне 1879 года. Вскоре после смерти художника, в 1885 году, картина была приобретена его братом, скульптором Эмилем Бастьен-Лепажем.Картина была представлена публике на Парижском салоне 1879 года. Вскоре после смерти художника, в 1885 году, картина была приобретена его братом, скульптором Эмилем Бастьен-Лепажем.
Художник Василий Суриков так отзывался об этой картине:
Живу теперь в Париже. Приехал я сюда посмотреть 3-годичную выставку картин французского искусства. Встретил я на ней мало вещей, которые бы меня крепко затянули.
Эдвард Окунь — представитель польского модерна и символизма, автор многих портретов, идиллических пейзажей с элементами фантастичности, с доминирующим чувством декоративности и внимания к колористики. Сначала он писал реалистические композиции.В отдельных случаях сам изготавливал резные рамы для своих картин.
Представитель польского дворянского рода герба Белина. 16 декабря 1922 г. был свидетелем убийства на художественной выставке в Варшаве первого президента Польши Г. Нарутовича. Вместе с одним из адъютантов президента задержал убийцу Элигиуша Невядомского, критика-модерниста и художника.
Совет
Во время Второй мировой войны жил в Варшаве. После Варшавского восстания переехал в Скерневице, где в январе 1945 года был убит случайной пулей на улице.
Эдвард Окунь «Четыре струны скрипки» (1872 — 1945)
Учимся разбираться в живописи:
Если видите на картине темный фон и всяческие страдания на лицах — Вечеллио Тициан.
«Кающаяся Магдалина»
Если на картине вот такенные попы и целлюлит даже у мужиков, не сомневайтесь — Питер Пауль Рубенс.
«Три грации»
Если на картине мужики похожи на волооких кучерявых баб — Микеланджело Караваджо.
«Мальчик с корзиной фруктов»
Если на картине много маленьких людишек — Питер Брейгель.
«Охотники на снегу»
Много маленьких людишек + маленькой непонятной фигни — Иероним Босх.
Красиво, все голые и фигуры, как у культуристов — Буонарроти Микеланджело.
Деталь росписи «Сотворение Адама»
Видите балерину — говорите Дега. Говорите Дега — видите балерину.
Контрастно, резковато и у всех вот такие тощие бородатые лица — Эль Греко.
Если все, даже тётки, похожи на Путина — Ян ван Эйк.
«Случайный ренессанс».
Французская газета «Le Monde» опубликовала интересную находку артиста Джэймса Харви, который увидел в украинской фотографии шедевр. Драка в Парламенте напомнила ему эпоху Ренессанса.
Чтобы эффект был достигнут, Харви приложил копию знаменитой картины, добавив стратегические точки на фотографию чтобы показать, что она пропорциональна «золотому сечению», которым славятся художники эпохи Ренессанса.
Оставьте свой голос:
